le Comité éditorial, les Artisans et les Artistes

Architecte né à Tokyo en 1979. Il fonde ATTA – Atelier Tsuyoshi Tane Architects à Paris, en France.

Sa philosophie de « l’archéologie du futur », consiste à créer une architecture à partir de la mémoire culturelle d’un lieu, en formant un pont entre le passé et l’avenir. Parmi les principales réalisations de Tane figurent le Musée national d’Estonie, le Musée d’art contemporain de Hirosaki, la Collection Al Thani - Hôtel de la Marine et le nouveau bâtiment principal de l’Imperial Hotel Tokyo (prévu en 2036). 

Né en 1989 dans la préfecture de Kyoto. Deuxième fils de Mamoru qui fait partie de la 9e génération de Kojima Shoten.

Après avoir obtenu son diplôme de fin d’études secondaires en 2008, il commence une formation d’artisan lanternier auprès de son père. Il hérite de la 10e génération avec son frère aîné Shun et est président de Kojima Shoten depuis 2021. Il produit également des uniformes originaux pour des ateliers.

Née en 1938 sur l’île de Taketomi, dans la préfecture d’Okinawa, elle étudie la mode à l’université d’art et de design de Joshibi.

En 1970, elle étudie auprès de Fukumi Shimura à Kyoto, puis fonde « Kuuru Koubou » sur l’île d’Iriomote en 1980. En 1998, elle lance la marque « Maapai » en collaboration avec la designer textile Chiaki Maki et la créatrice de mode Michiyo Masago. En 1999, elle expose au Museum of Modern Art de New York dans le cadre de l’exposition « Structure and Surface: Contemporary Japanese Textiles ». Sa vie et son art ont également été présentés dans l’émission de télévision française « Au fil du monde : Japon » (2017).

Né en 1958 dans la préfecture de Fukuoka. Fasciné par la cérémonie du thé, il a souhaité devenir chef kaiseki tout en travaillant dans une agence de design afin d’apprendre la conception des maisons de thé.

En 2004, il s’installe à Tango et fonde le Studio Tochi, avec lequel il s’intéresse au travail du bois et des textiles. Autour de 2010, il se lance dans la création de textiles en fil métallique.

Né en 1972 dans la préfecture de Kyoto. Après avoir obtenu son diplôme universitaire, il se lance dans la poterie et hérite du nom de Zengoro Eiraku en 2021.

En 2023, il organise sa première exposition personelle après sa succession, « Succession Memorial : Senke Jisshoku 18th Zengoro Eiraku Exhibition », au magasin principal de Nihonbashi du grand magasin Mitsukoshi. Il travaille à la renaissance du brasero doburo, qui est à l’origine de son métier familial.

Né en 1975 dans la préfecture de Kyoto. Après avoir étudié la conception de produits dans une université d’art japonaise, il se rend aux États-Unis pour étudier le design graphique et travaille comme designer à New York.

Après son retour au Japon il passe près de cinq ans de formation dans un atelier de papier karakami réputé, avant d’ouvrir Kamisoe en 2009.

Né en 1976 dans la préfecture de Mie. En 2007, il rejoint une entreprise de construction spécialisée dans l’architecture sukiya à Kyoto pour étudier la construction des maisons de thé.

Il participe à des projets tels que la rénovation de maisons de thé et de maisons sukiya dans le quartier du temple Nanzenji. En 2009, il commence la production de gravures sur bois et la création de karakami. Il fonde Kanazawa Moku Seisakusho en 2012.

Né en 1973 dans la préfecture de Kyoto. Après avoir obtenu son diplôme d’études secondaires, il suit une formation chez Seikodo Nakajima, un atelier de montage pour les pratiquants de la cérémonie du thé Urasenke.

Il devient représentant de Fujita Gasodo en 2024. Il collabore régulièrement avec des artistes contemporains.

Né à Tokyo en 1975. Après avoir obtenu un doctorat spécialisé dans la sculpture et la conservation des biens culturels à l’École supérieure de conservation de l’Université des arts de Tokyo en 2009, Masuda travaille comme enseignant à temps partiel à l’atelier de sculpture (conservation) de l’École supérieure de 2009 à 2021.

En 2010, il crée Hoju Chokoku Kobo, K.K. Outre l’exposition de ses propres sculptures, il fabrique également des statues bouddhistes et travaille à la restauration de biens culturels. Yoshiki Masuda reçoit le prix Nomura en 2009. En 2019, il organise une exposition personelle de ses sculptures sur bois à Matsuzakaya Nagoya. Il présente également de nombreuses œuvres dans des expositions collectives et des foires d’art.

Né en 1969, Daisuke Igarashi est diplômé du département de peinture de la faculté d’art et de design de l’université d’art de Tama. Après avoir remporté le prix AFTERNOON Shikishou du magazine Monthly AFTERNOON en 1993, il fait ses débuts en tant que mangaka.

Parmi les œuvres majeures de Daisuke Igarashi, on peut citer Sorcières, qui a reçu le prix d’excellence dans la catégorie manga au Japan Media Arts Festival, et Les Enfants de la mer, qui a remporté le prix d’excellence de l’Association japonaise des dessinateurs de bandes dessinées. Son manga Kamakura BAKE-Neko Club est actuellement en cours de publication. Illustrateur de nombreux livres d’images, Igarashi a également écrit et illustré des œuvres telles que Bus-saurus. Il a également réalisé des visuels pour la Triennale d’Aichi 2025.

Né dans la préfecture de Kyoto en 1968, Shuji Nakagawa est l’héritier de la troisième génération d’une famille de fabricants de seaux en bois oke et a grandi entouré par le travail du bois.

Après avoir obtenu son diplôme à la faculté des arts de l’université Seika de Kyoto, il fait son apprentissage auprès de son père, Kiyotsugu Nakagawa, trésor national vivant chez Nakagawa Woodworking. En 2003, il ouvre son propre atelier, Nakagawa Woodworking Hira, dans la ville d’Otsu, dans la préfecture de Shiga. Son seau à champagne unique, développé en 2010 avec une marque de champagne française, lui a valu une reconnaissance importante.

Depuis, il collabore avec des designers et des artistes au Japon et à l’étranger, et expose régulièrement ses œuvres à l’international.

Né à Tokyo en 1985, Noritaka Tatehana est diplômé de la faculté des beaux-arts de l’université des arts de Tokyo, où il a étudié les arts textiles dans le département des arts décoratifs.

Son art s’inspire de la culture traditionnelle japonaise et des techniques artisanales pour exprimer des valeurs modernes. Tatehana se fait connaître avec ses « chaussures sans talons », conçues pour Lady Gaga. Ces chaussures audacieusement originales, entièrement fabriquées à la main, ont depuis intégré la collection permanente d’institutions dont le Metropolitan Museum of Art.

Né dans la préfecture de Tottori en 1980, Haruo Mitsuta a obtenu une maîtrise en sculpture sur métal à l’École supérieure des beaux-arts de l’Université des arts de Tokyo.

Pendant ses études, il rencontre Muneyuki Tomiki, souvent considéré comme le dernier maître du jizai okimono (figurines en métal articulées), et a hérité des techniques de Tomiki. Depuis 2017, Mitsuta expose dans le cadre de l’exposition collective itinérante Amazing Craftsmanship !, et le musée d’art de la ville de Yonago lui a consacré une exposition personelle en 2023. Mitsuta est reconnu pour ses représentations complexes et réalistes d’insectes en métal.

Née en France en 1994, Clara Imbert est diplômée avec la plus grande distinction du Central Saint Martins College of Art and Design.

Maintenant installée à Paris, elle travaille principalement avec le métal, la pierre et d’autres matériaux qui lui permettent d’exprimer la texture et le poids des éléments, créant des sculptures et des installations inspirées par la science et le sacré. Ses œuvres ont été exposées dans des expositions personelles et collectives au Royaume-Uni, en France, au Portugal et ailleurs.

En 1625, un samouraï nommé Suzuki Echizen no kami Nuidono Ietsuna fut convoqué depuis Koshu, la province d’origine du clan Nanbu, pour occuper le poste d’artisan fondeur officiel.

Son arrivée marqua le début d’un héritage, celui d’un savoir-faire artisanal traditionnel qui perdure encore aujourd’hui. Depuis la douzième génération, chaque chef de famille a hérité du nom Morihisa et produit des bouilloires à thé, des bouilloires en fer et toute une gamme d’autres articles en fer forgé selon des techniques ancestrales. Le maître actuel, qui est devenu le 16e Morihisa Suzuki en 2023, est membre à part entière de l’Association japonaise des artisans et de l’Association japonaise des artistes et artisans de la fonte.

Née à Nancy, en France, en 1941, Simone Pheulpin est une artiste textile qui partage son temps entre Puteaux et les Vosges.

Elle reçoit le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris en 2017 et le LOEWE Craft Prize en 2018. Ses œuvres, qui font désormais partie des collections du Victoria and Albert Museum, de l’Art Institute of Chicago et d’autres institutions, lui ont valu une renommée internationale.

Né à Marseille en 1979, Thomas Mailaender est un artiste multimédia dont l’activité créative est constituée d’un large éventail de supports et de méthodes, notamment la photographie, la céramique et le collage.

Il a archivé et reconfiguré plus de 10 000 photos provenant du web et d’autres sources, et les a transformées en œuvres d’art originales. Dans ses projets, il entreprend une reconstruction et une matérialisation de l’image en y incorporant des éléments d’humour et de satire.

Fondée à New York en 2016 par l’artiste perruquier Tomihiro Kono et la photographe et artiste visuelle Sayaka Maruyama, Konomad est une plateforme créative désormais basée à Tokyo.

Kono produit des perruques artistiques et des accessoires pour la tête, ainsi que des créations diverses pour des magazines, des défilés de mode, des publicités, etc. En 2023, la plateforme crée les perruques pour l’album Fossora de Björk. Elle est également maintenant active dans le monde éditorial avec le lancement du Konomad Journal en 2025.

Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris en 2022 et de la HEAR de Strasbourg en 2020, cette artiste française joue sur les paradoxes formels et conceptuels à travers des œuvres sculpturales qui invitent le spectateur à un jeu entre séduction et prédation.

Nourrie de science-fiction féministe, Mathilde Albouy utilise les fictions générées par ses pièces comme des outils politiques pour remettre en question la binarité de la réalité. En détournant les échelles et les matériaux, ses objets, parfois coupants ou toxiques, évoquent les schémas d’oppression.

Né à Kamakura (Japon) en 1989 et résidant à Paris, cet artiste mêle l’installation, la lumière, la performance, la vidéo et le son.

Il crée des environnements sensoriels proposant une exploration dramaturgique du temps et de l’espace. Son travail a été présenté dans de nombreuses institutions internationales, et figure dans des collections majeures comme celles du Centre Pompidou et de la Ryutaro Takahashi Collection.

Cet artiste français né en 1993 au Japon navigue entre l’architecture, le design et l’art. Face à la crise climatique, il privilégie une approche locale et artisanale, mêlant poésie et pédagogie.

Inspiré par les paysages qui l’entourent et la collecte de matériaux issus de ces environnements il nourrit une approche minimale et instinctive. En 2025, il reçoit le Grand Prix Van Cleef & Arpels et le Prix Visual Merchandising de CHANEL pour sa première installation à la Design Parade Toulon.

L’artiste française Aurélie Mathigot développe une œuvre singulière articulée autour de deux médiums : la photographie, qui fixe le réel, et le textile, qui le transforme, comme témoins des savoir-faire et de leur transmission.

Portraits, natures mortes, paysages ou compositions abstraites nourrissent son imaginaire. Imprimées sur toile, ses photographies sont rebrodées à la main ou à la machine, en fils, perles ou crochet. Chaque œuvre résulte d’un travail préparatoire où elle choisit les zones à révéler par la couleur, travaillant chaque retouche en volume.

Né en 1990 à Paris, Naoki Sutter-Shudo a grandi à Tokyo avant de s’installer à Los Angeles. Ses sculptures possèdent une évidence formelle, une harmonie silencieuse qui contraste avec la multiplicité des récits, des références intimes, des coïncidences ou des déjà-vus qui semblent la composer. Elle repose sur un équilibre quasi-impossible et oscille entre la fatalité de la gravité

et une verticalité effrontée, entre un environnement naturel et une architecture méticuleusement construite, entre un aspect profane et sacré. Des antithèses qui se révèlent des correspondances, comme des tentatives intrépides de réconciliation.

Née en 1991 et basée dans le Jura, Jeanne Vicérial suit des études de costumière puis un Master en Design Vêtement à l’Ecole des Arts Décoratifs de Paris.

En 2019, elle devient titulaire d’un doctorat SACRe (Sciences, Arts, Création, Recherche). Dans ce cadre, elle questionne la dichotomie prêt-à-porter/sur-mesure et fonde le studio de recherche et de création Clinique vestimentaire. En 2024, elle est résidente à la Villa Kujoyama,à Kyoto, et participe également à l’exposition Lesage, 100 ans de mode et de décoration à la Galerie du 19M.

Née en 1985 à Marseille, cette artiste française s’attache à explorer l’intimité, la vulnérabilité et la vie quotidienne.

Formée à l’École nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris, elle développe une pratique mêlant installation, vidéo et sculpture, souvent marquée par une atmosphère trouble et introspective. À travers ses dispositifs immersifs qui interrogent les liens affectifs et sociaux, Mélanie Matranga construit des espaces fragiles où se mêlent douceur, malaise et poésie, invitant le spectateur à sonder ses propres émotions. En 2014, elle reçoit le Frieze Artist Award.

Née en 1991 et basée dans le Jura, Jeanne Vicérial suit des études de costumière puis un Master en Design Vêtement à l’Ecole des Arts Décoratifs de Paris.

En 2019, elle devient titulaire d’un doctorat SACRe (Sciences, Arts, Création, Recherche). Dans ce cadre, elle questionne la dichotomie prêt-à-porter/sur-mesure et fonde le studio de recherche et de création Clinique vestimentaire. En 2024, elle est résidente à la Villa Kujoyama,à Kyoto, et participe également à l’exposition Lesage, 100 ans de mode et de décoration à la Galerie du 19M.

Animé par l’esprit de collaboration comme moteur d’apprentissage, l’artiste Matthew Lutz-Kinoy, né en 1984 à New York, déploie une vaste palette de techniques.

Ses céramiques portent l’influence de collaborations en Europe, au Japon et au Brésil tandis que ses grandes peintures et ses tapisseries questionnent le plaisir et l’intimité. L’œuvre de Lutz-Kinoy traverse l’histoire de la représentation, du rococo à l’orientalisme jusqu’à l’expressionnisme abstrait. Quant à ses performances, elles sont nourries par l’histoire queer comme son attachement au monde du théâtre et de la chorégraphie.